Die besten Sets aus den Top-Stücken und Musicals dieses Jahres

Vor den Tony Awards, ANZEIGE blickt auf die Favoriten des szenischen Designs - aus den kiesigen Boulevardbüros der 60er Jahre von Tinte in die skurrile, von Tim Burton inspirierte Welt von Käfersaft

Die diesjährige Reihe von Theaterproduktionen umfasst eine Vielzahl herausragender visueller Stars, einschließlich der beeindruckenden King Kong, der neu interpretierte Broadway-Klassiker Rodgers & Hammersteins Oklahoma!, und eine Bühnenadaption von Einen Spottdrossel töten. Und die Tony Award-Nominierungen für das beste Bühnenbild sind so vielfältig wie nie zuvor. Die Ehre, zuerst verliehen an Der Klang von Musik würdigt 1960 die Arbeit talentierter Designer, die nicht nur unvergessliche Sets kreieren, sondern auch eine wichtige Rolle beim Erzählen von Geschichten spielen. Hiermit, ANZEIGE ehrt das führende Talent vor Broadways großer Nacht, den 73. jährlichen Tony Awards, am Sonntag, dem 9. Juni.

Bestes szenisches Design eines Stücks

Einen Spottdrossel töten
Bühnenbildner: Miriam Buether

Foto: Julieta Cervantes

Etwa 60 Jahre nach seiner Veröffentlichung erschien Harper Lees geliebter Roman Einen Spottdrossel töten traf den Great White Way und erhielt diesmal eine radikale Adaption von Aaron Sorkin. Die Geschichte über den grundsätzlichen Kampf des Strafverteidigers von Alabama, Atticus Finch, zwischen Gut und Böse ist immer noch der Kern der zeitlosen Geschichte der Rassentrennung. Die minimalistischen Sets der Bühnenbildnerin Miriam Buether helfen dabei, die Geschichte zu erzählen und Bilder aus dem mit dem Oscar 1962 ausgezeichneten Film mit Gregory Peck hervorzurufen.

Während es keine Wände gibt, nur Fenster und Türen, zeigen die Sets von Maycomb, Alabama, die kleine Stadt im Süden durch einen legendären Film Einstellungen wie die Veranda, auf der Atticus Herz-zu-Herz-Gespräche mit seiner Tochter Scout führen würde (die jetzt ein Erwachsener im Theater ist Ausführung). Das Gerichtssaal-Set ist ein weiterer wesentlicher Bestandteil des Erzählens, das als heruntergekommener Industrieraum dargestellt wird mit verfallenden Wänden, die vor den Augen des Publikums hin und her gerollt werden, während die Jury sitzt leer.

Tinte
Bühnenbildner: Hase Christie

Foto: © 2019 Joan Marcus

Nehmen Sie 1969 London; Fügen Sie ein kämpfendes Boulevardpapier hinzu, das als bekannt ist Die Sonne, sein neuer Besitzer Rupert Murdoch, ein Schurkenredakteur und eine Galerie von Außenseiterreportern, und Sie haben das Zeug zum Hit Tinte. Inspiriert von realen Ereignissen bietet das Stück Perioden-Sets - Schwermetall-Schreibtische und Aktenschränke, die gestapelt sind eine Pyramide mit Drehstühlen und Schreibmaschinen - das ist die Kreation des Bühnenbildners Bunny Christie.

Der schottische Olivier und Tony Award Gewinner, der entworfen hat Tinte Ganz auf einem Set mit Änderungen an Möbeln, Beleuchtung und Projektion heißt es: „Das Set ist ein Berg von Schreibtischen, der sich ein bisschen wie eine Maschine anfühlt. Es ist eine Welt aus Schweiß und Tinte, eine dunkle, kiesige, spätabendliche, rauchige Welt. Die Journalisten sind ein bisschen wie Ratten in einem Abwasserkanal, die über und durch das Set rennen und die Geschichte verfolgen ", sagt er. "Das Set sickert Tinte aus und wird mit Zeitungspapier durchgefädelt." Fleet Street in London, wo Tinte Hier spielen alle Zeitungen - eine von Männern dominierte Welt des nächtlichen Trinkens und Erzählens sowie ein Zentrum für Nachrichten und Klatsch.

Gary: Eine Fortsetzung von Titus Andronicus
Bühnenbildner: Santo Loquasto

Nathan Lane in Gary.

Foto: Julieta Cervantes

Nominiert für sieben Tony Awards, darunter Best Play, Gary ist eine satirische Farce, die während des Untergangs des Römischen Reiches spielt. Nathan Lane und Kristine Nielsen sind Straßenputzer, deren Aufgabe es ist, die Toten nach den Bürgerkriegen zu vertreiben.

Mit der Schaffung dieser skurrilen Welt wurde der erfahrene Kostüm- und Bühnenbildner Santo Loquasto beauftragt, der sagt: „The Skript formuliert klar die Anforderungen: Ein Bankettsaal, der so umgestaltet wurde, dass die Leichen nach einem aufbewahrt werden Massaker. Es ist im Detail römisch, aber durch eine Stummfilmempfindlichkeit gefiltert - mehr Cecil B. DeMille als Fellini, obwohl man sich im Zweifelsfall immer Fellini verschiebt. “ Die dunklen Comedy-Designs umfassen Hunderte von Körpern und Gliedmaßen stapelten sich grotesk um die Schauspieler, neben ahnungsvollen blutroten Samtvorhängen (denken Die Zehn Gebote). „Ich würde gerne denken, dass der Raum zwar eine Art kitschige Größe berührt, aber auch die stechende Luft eines atmet East Village Drag Show “, fügt der Designer hinzu, zu dessen Credits auch das Produktionsdesign einer Reihe von Woody Allen gehört Filme.

Netzwerk
Szenische Designer: Jan Versweyveld und Tal Yarden

Foto: Jan Versweyveld

Bühnenbildner Jan Versweyveld und Videodesigner Tal Yarden legten die Messlatte für interaktives Bühnenbild höher Das UBS-Fernsehsender-Set für den 1976 mit dem Oscar ausgezeichneten Film wurde zum Broadway-Stück Netzwerk. Es ist teils Spektakel, teils Performancekunst; Das Paar bringt mehrdimensionales technologisches Design auf eine andere Ebene, wo das Publikum die spürbare Intensität spürt, eine Live-TV-Nachrichtensendung zu sehen.

Die Designer haben einen funktionierenden - wenn auch chaotischen und elektrisierenden - Newsroom mit einer Glassteuerkabine geschaffen, die einen Einblick bietet das Innenleben des Nachrichtensets sowie ein Ankerpult, an dem der mit dem Emmy-Preis ausgezeichnete Star Bryan Cranston (als Howard Beale) „verrückt wie die Hölle“ ist und ich werde es nicht mehr ertragen. “ Es gibt sogar ein Restaurant auf der Bühne, in dem Theaterbesucher speisen und die Action erleben können aus erster Hand. Das Herzstück des Sets ist ein riesiger Wand-zu-Wand-Videobildschirm, der die Sinne mit Vintage-Bildern aus den 70er Jahren von Werbespots bombardiert, in denen Tacos, Matratzen und Haarprodukte von Yarden kuratiert werden.

Versayveld, zu dessen Credits das gefeierte Stück gehört Ein Blick von der Brücke und David Bowies Lazarusstellt fest: „Ich betrachte mich als mehr als nur einen traditionellen Bühnenbildner. Die meisten Set-Designs sind tatsächlich Installationen. Das Set ist eine Maschine, auf der die Schauspieler und der Regisseur vorbeischauen, wegfliegen und es in sehr unterschiedlichen Szenen und auf unterschiedliche Weise verwenden können. “ Entwerfen in Zusammenarbeit mit seinem Partner von 30 Jahre und der Regisseur des Stücks, Ivo van Hove, trafen sie die bewusste Entscheidung, auf die festen Unternehmenssuiten und Zeitzonenuhren aus dem Film zu verzichten und sich für eine schlankere zu entscheiden einstellen.

Der Fährmann
Bühnenbildner: Rob Howell

Foto: Joan Marcus

Der zweimal mit dem Tony Award nominierte Kostüm- und Bühnenbildner Rob Howell kreierte den Look für Der Fährmann, eine griechische tragische Geschichte über den Carney-Clan während der politischen Periode Nordirlands, bekannt als die Probleme, die 1981 in der Farmküche / im Wohnzimmer des Hauses der Familie spielt. Howell kommentiert: „Ich habe mir eine Menge Referenzmaterial für den Zeitraum und den Ort angesehen, zusammen mit allen architektonischen Details, die die Geschichte benötigt.“ Howells charakterbasierte Details reichen von einem Mal- und Bastelprojekt für Kinder an der Wand bis zu einer verblassten irischen nationalistischen Flagge, die über der Wand hängt Treppe.

Bestes szenisches Design eines Musicals

Ist nicht zu stolz: Das Leben und die Zeiten der Versuchungen
Szenische Designer: Robert Brill und Peter Nigrini

Foto: Matthew Murphy

Die berühmte R & B-Gesangsgruppe The Temptations 'Reise von den Straßen Detroits zu ihrer Aufnahme in die Rock & Roll Hall of Fame ist die Grundlage des Bio-Musicals Ist nicht zu stolz. „Seit ihren frühen Anfängen in den 60er Jahren sind 24 Mitglieder aus der Gruppe gekommen und gegangen“, sagt der Bühnenbildner Robert Brills In dieser dynamischen Geschichte hatte Regisseur Des McAnuff das starke Gefühl, dass sich das physische Design an Ein- und Ausgängen orientieren sollte - sowohl wörtlich als auch metaphorisch. Die Bewegung der Schauspieler und wie sie zur und von der Bühne gebracht werden, war unser zentraler Ausgangspunkt. Deshalb haben wir ein 70 Fuß langes Laufband eingesetzt, das nicht nur Landschaften bewegen kann und Requisiten, aber auch unsere fantastische Gesellschaft von 16 Schauspielern. “ Der Designer blickte auf die Theaterarchitektur, um die Welt der Versuchungen darzustellen, die aus „sechs majestätischen schwarzen Ziegeln“ bestand Säulen, die den Spielraum definieren, und ein großes Festzelt, das auf und ab schwebt ", sagt Brills," wodurch sich der Raum mühelos im gesamten Raum ausdehnen und komprimieren lässt Abend."

Die Verwendung von Multimedia wurde zu einem der wichtigsten Aspekte des Erzählens der Entwürfe und wurde für die Show von Projektionsdesigner Peter Nigrini erstellt. deren Aufgabe es war, "dem Raum Geschichte, Kontext, Farbe, Bewegung und Spezifität zu verleihen". Dies führte zu Momenten wie dem Martin Luther King Jr. Attentat vor dem Hintergrund von Bildern wie einer Zeitung, die seinen Tod ankündigt, und dem Lorraine Motel, während die Versuchungen zusammenkommen und reagieren um ein Klavier. „Die Verwendung von Bildern zur Transformation eines Raums ermöglicht es dem Theater, die Werkzeuge des Kinos zu kooptieren“, sagt der Designer.

King Kong
Bühnenbildner: Peter England

Foto: Joan Marcus

Für den Bühnenbildner Peter England beim Entwerfen King Kong dreht sich ganz um den sprichwörtlichen 800-Pfund-Gorilla im Raum - außer in diesem Fall ist der Silberrücken ein 2.000 Pfund schwere animatronische Marionette, die von einer Gruppe agiler Aerialisten über modernste Animatronik und zum Leben erweckt wurde Technologie.

Der berühmte Kletterer des Empire State Building ist jetzt Gegenstand eines millionenschweren Musicals, das auf dem Klassiker von 1933 basiert. England erklärt: „Im Kern ist das Konzept der Aufstieg und Fall der Reiche… und es ist im Wesentlichen eine Geschichte von zwei Inseln, die durch eine epische Seereise getrennt sind. Eine Insel, New York City, ist ein Dschungel aus Beton und Stahl, aus dem ein aufstrebendes Reich hervorgeht. Die andere, Skull Island, ist ein Dschungel aus Weinreben und Netzen, die ein zerfallendes Reich verzehren. “

Der überlebensgroße Gorilla füllt 90 Prozent der Bühnenfläche aus, daher muss das Bühnenbild darauf beruhen, die Illusion zu erzeugen, dass Kong „durch die Gegend läuft Straßen der Stadt, durch verworrene Dschungel springen oder das Empire State Building hinaufklettern, um an der Weltspitze zu kämpfen “durch projiziert Bilder. Das Ergebnis ist die Verwendung eines gekrümmten LED-Bildschirmhintergrunds, der Bilder von verschiedenen zusätzlichen Orten wie dem Times Square, einem hoch aufragenden Gipfel und einer Berghöhle projiziert. England griff nicht auf Spezialeffekte wie Laser oder Pyrotechnik zurück und entschied sich dafür, mit optischen Täuschungen auf dem LED-Bildschirm auf die alte Schule zu gehen.

Hadestown
Bühnenbildner: Rachel Hauck

Foto: Matthew Murphy

Das mit dem 14-Tony-Award nominierte Musical Hadestown setzt den Trend dieser Saison fort, eine klassische Idee mit der modernen Interpretation des antiken griechischen Mythos von Orpheus und Eurydike neu zu interpretieren. Die Bühnenbildnerin Rachel Hauck setzte die Szene gegen die kontrastierenden Welten von Himmel und Hölle, a.k.a. „Über dem Boden“ und „Unter dem Boden“, und nutzte den Einfluss des New Orleans Jazz. „Wir haben beschlossen, diese Geschichte in einer Bar in NOLA zu spielen, einer dieser erstaunlichen alten Bars voller Musik und Geschichten, Grit und Freude, Schönheit und Dunkelheit. Wir haben uns letztendlich entschlossen, diese große, unordentliche Stadt anzunehmen und uns in ihre Freude und Dunkelheit zu lehnen “, sagt sie. Der Designer suchte in der Preservation Hall und im Napoleon House nach Einfluss. "Denn unter der Erde wurzeln die Minen, Mühlen und Fabriken in Bildern der verfallenden amerikanischen Industrie mit ihren monolithisch rostenden Silos, labyrinthischen Fabriken und tiefdunklen Minen."

Die Entwürfe, die in der Architektur des griechischen Amphitheaters verwurzelt waren, beruhten auf Oberflächen und Farben. „Die große Wärme des Holzes kann nicht ersetzt werden. Das ist eines der Dinge, die die Bar so einladend machen “, sagt Hauck. "Es gibt viel davon auf der Bühne, alles fühlt sich an wie ein Barraumboden, auf dem das verschüttete Bier von Millionen von Seelen gesehen wurde. Die sich verschlechternden Putzwände sind so schön, wie verfallende Dinge sein können. Mit der bemerkenswerten Beleuchtung von Bradley King können die Wände den Himmel und die Schönheit des oberirdischen Bodens zaubern. Aber wenn die Geschichte unter die Erde geht, werden die Wände von unten beleuchtet und die verrottende Putzstruktur wird dominant, und plötzlich werden sie zu den sich verschlechternden Wänden der Unterwelt. Die Farbe kommt aus einer Welt, die Textur aus der anderen. “

Rodgers & Hammersteins Oklahoma!
Bühnenbildner: Laura Jellinek

Foto: Little Fang Foto

Das beliebte 76-jährige Musical von Rodgers & Hammerstein neu interpretieren Oklahoma! Die Anpassung an das 21. Jahrhundert war die Herausforderung für die Bühnenbildnerin Laura Jellinek. Nachdem der Designer die Produktion im Circle in the Square Theatre in ein Set verwandelt hat, in dem der Wind die Ebene hinunterfegt, stellt er fest, dass „das Grundlegende Prämisse ist die Idee der Gemeinschaft, die die Produktion und das Design informiert und den Schauspielern und dem Publikum das Gefühl gibt, sich alle im selben Raum zu befinden zusammen."

Jellinek ist kein Fremder in der Show (sie hat sie auch im St. Ann's Warehouse in Brooklyn entworfen) und kreierte Sets, die an das Leben in einer ländlichen Gemeinde in Oklahoma erinnern. wo Sperrholzmaterial den „hellgoldenen Dunst auf der Wiese“ ersetzt. Sie benutzte auch ein verblasstes Wandbild aus Sperrholz, das den Kulissen anderer eine Anspielung gibt Oklahoma! Produktionen und hängten 100 Kanonen zusammen mit einem Rand von Mylar an die Wand, um einen Farbtupfer zu erzielen. Die Musikproduktion hat sogar ein Live-Chili-Cook-off und Tänze, die alle Teil des Erzählens sind.

Käfersaft
Bühnenbildner: David Korins

Foto: Matthew Murphy

Das ikonische Schlagwort "Beetlejuice, Beetlejuice, Beetlejuice" zaubert zweifellos Bilder des Teufels über die Top-Ästhetik des geliebten Films von 1988. Der Bühnenbildner David Korins schaute zu Käfersaft Schöpfer und Regisseur Tim Burton für seinen Einfluss auf die Vorstellung des Broadway-Musicals, insbesondere seiner Filme Edward mit den Scherenhänden und Die Leichenbraut. Der Designer, zu dessen Credits gehören Hamilton und Lieber Evan Hansenschuf drei verschiedene Darstellungen des Spukhauses, die zu einem zusätzlichen Charakter werden. "Der Weg vom Maitlands-Haus zum Deetz-Haus zur Beetlejuice-Spielshow war eine große visuelle und skulpturale Abkehr", sagt Korins. "Die Winkel sind das, was ich als erzwungene Perspektive bezeichnen würde, damit sie mehr geschoben und erhöht erscheint. Tim Burton hat diese sehr spezifische Türform, die es in jedem Film gibt, und ich habe versucht, mich inspirieren zu lassen, aber sie nicht vollständig zu kopieren. “

Von den Spezialeffekten („ein Smorgasbord der Magie“) bis zu den „Ostereiern“, die im gesamten Set verteilt sind - Details, die eine Hommage darstellen für Burton - das szenische Design spielt eine wichtige Rolle bei der Erzählung der Geschichte eines Ghuls, der in der Wohnung eines kürzlich Verstorbenen lebt Paar. Und zu guter Letzt gibt es einen riesigen Sandwurm - den größten, der jemals am Broadway gesehen wurde -, der in den Wänden des Hauses in der Unterwelt lebt.

instagram story viewer