Dans le monde privé de David Hockney

Le célèbre artiste octogénaire reclus invite UN D dans son idylle vivante de L.A. à la veille d'une installation vidéo majeure

Les dernières années de la carrière de David Hockney ont été les plus prolifiques depuis des décennies, peut-être en partie grâce aux routes sinueuses et tortueuses des collines d'Hollywood qui mènent à son studio. Ils font des merveilles pour minimiser le risque de visiteurs impromptus.

«J'aime les visiteurs, mais je ne pourrais pas vraiment travailler à Londres ou à New York, car j'en aurais trop», dit-il UN D lors d'une récente visite d'atelier. «Ici, nous savons qui vient, donc nous pouvons le planifier. J'ai toujours aimé L.A. pour ça. "

Bien-aimé dans le monde entier, l'identité de Hockney est apparemment divisée en deux. Né et élevé dans le nord de l’Angleterre, il est le détenteur par défaut de l’artiste vivant le plus aimé de Grande-Bretagne, et le L’anglais confirme que malgré les décennies qu’il a passées aux États-Unis, l’accent classique de Hockney dans le Yorkshire demeure inchangé. Ce sont cependant les images de la maison actuelle de Hockney, Los Angeles, qui brûlent le plus dans la mémoire collective. Ses œuvres les plus connues remontent à son arrivée dans les années 1960, lorsqu'il a immortalisé la lumière intense du soleil et la sensualité du bonheur domestique de L.A. dans des couleurs non mélangées et ultra-saturées. Des décennies plus tard, il semble trouver assez drôle que tout le monde parle encore des peintures de la piscine.

«Je veux dire, je n’en ai pas fait autant», dit-il - peut-être 12 dans un corpus vaste et varié. Mais «j'aime nager», ajoute-t-il gracieusement. "C'est le seul exercice que je fais."

Comme d’habitude, il est en studio depuis neuf heures ce matin. Et comme avec la plupart des grands esprits, il adhère à une routine vestimentaire établie (voir les sweats à capuche de Mark Zuckerberg, ou les sacs à main Launer de la reine Elizabeth) qui voit un quelques variations quotidiennes clés: aujourd'hui le cardigan est bleu marine avec des rayures roses, la chemise à col est blanche, les lunettes circulaires sont un drap jaune pâle métal. Pas de casquette plate à cette occasion. Nous nous asseyons dans deux fauteuils usés sur un tapis oriental car son studio aéré et haut de plafond fait également office de salon.

Attiré par la liberté de son intimité, Hockney achète cette maison en 1978 et y ajoute son atelier en 1983. Dans une rue calme des collines d'Hollywood, le gris placide de son garage pour deux voitures orienté vers l'extérieur cache l'émeute à l'intérieur: des murs rose vif, bleu cobalt et turquoise enveloppés de feuillage tropical. Hockney, dont les yeux sont le bleu standardisé et stupéfiant d'une piscine de L.A., vit en fait à l'intérieur d'un tableau de Hockney. Il a pris une pause de huit ans de L.A. dans le Yorkshire avant de revenir définitivement lors d'une vague de tragédie en 2013. Il avait non seulement subi un accident vasculaire cérébral, mais la mort subite d'un jeune assistant, qui a conduit son travail dans une période de dessins au fusain sombre.

La différence dans le travail de Hockney depuis son retour en Californie du Sud a été profonde. C’est ici qu’il a peint les «82 Portraits et 1 Nature morte» aux couleurs vives, une Royal Academy of Arts, Londres, exposition qui s’est rendue à Ca ’Pesaro à Venise, en Italie, et au musée d’art du comté de Los Angeles en route vers le Guggenheim Bilbao. S'asseoir pour un portrait de Hockney exigeait «une certaine dose de patience et de concentration», explique le sujet et galeriste Larry Gagosian, regrettant «de ne pas l'avoir fait tenez mon ventre suffisamment. Il raconte comment au cours d'une journée typique de huit heures, Hockney a rompu l'intensité de sa concentration pendant seulement une heure pendant le déjeuner. La plupart des 82 portraits, y compris ceux de l’assistant de longue date de Hockney, de divers conservateurs, de sa gouvernante et de son galeriste de Chicago, Paul Gray de la Richard Gray Gallery, lui ont pris trois jours. (Gagosian et ses collègues, John Baldessari et Frank Gehry, pressés par le temps, n'en ont donné que deux à Hockney.)

Bien qu'il ait été largement rapporté qu'il fume Camel Wides, il tire un Davidoff d'une pile de paquets sur le chariot métallique roulant entre nous. À 81 ans, il ne rapporte ni courbatures ni douleurs, seulement la détérioration de longue date de son audition - et aucun projet, jusqu'à présent, d'arrêter de fumer.

«Les gens qui me disent d'arrêter de fumer disent qu'il est temps que je pense à mon corps», dit-il avec un ton incrédule. "J'ai eu 81 ans sans y penser, alors quel est le problème?"

Aussi populaire qu'il soit, l'artiste suit rarement le consensus populaire. Aujourd'hui, par exemple, Hockney se moque des critiques de cinéma pour avoir échoué dans le film de Fellini de 1984 Et le navire navigue. Là où il avait fallu quatre voyages à Hockney au cinéma pour comprendre qu’il s’agissait «d’écran», du film du cinéaste à la toile de l’artiste, la plupart n’y étaient allés qu’une fois.

"Les premières critiques n'ont pas du tout vu le film!" il dit. «Ils pensaient qu'il s'agissait simplement du complot. Ce n’était pas le cas, et je le savais. »

C'est la différence essentielle entre Hockney et le reste du monde: là où la plupart ne regardent que, il prend le temps de voir, un parcours d'exploration récurrent sur un large éventail de médias.

Sur l'un des nombreux iPad de son studio, il convoque les images de Les quatre saisons, Woldgate Woods, une installation vidéo qui sera présentée dans l’espace d’exposition de l’entrepôt de la Richard Gray Gallery à Chicago à partir du 13 septembre. Pour créer l'œuvre, Hockney a emprunté une seule route de campagne pendant quatre périodes distinctes de l'année, avec neuf caméras séparées fixées à l'avant d'une jeep. Dans la galerie, chaque saison se joue simultanément sur quatre murs avec neuf moniteurs chacun, comme si vous regardiez à travers l'œil composé d'un insecte. L'effet «nous donne une perspective beaucoup plus fluide, et bien sûr un laps de temps plus large, ce qui permet de voir davantage où nous avons été et où nous allons», explique Hockney. «Plus comme dans la vraie vie, peut-être.»

Ce sentiment remonte à Autoroute Pearblossom, un travail fondateur en termes de fascination de Hockney pour la simultanéité de la perspective multipoint, semblable à Picasso. En 1986, il s'était rendu dans la banlieue de Los Angeles et avait pris 850 photos en gros plan d'une route du désert: le panneau d'arrêt, les arbres Joshua, les détritus jetés sur l'épaule. Assemblées sous forme de collage, les nombreuses photos mettent en mouvement l'image unique. Chaque instantané individuel a sa propre perspective, son propre point de fuite, et donc l'œil doit voyager - il faut un moment pour être pleinement vu.

Le Autoroute Pearblossom La méthode a réapparu tout au long de la carrière de Hockney sous différentes formes, des polaroids aux écrans de télévision. Et «maintenant, avec des chiffres, vous pouvez modifier la perspective», dit-il, faisant référence à une autre pièce du spectacle de Richard Gray accrochée au mur du studio. C’est une image composite de près de 9 mètres de long, étrangement vivante, de quelques amis de Hockney, assis, debout et en train de se déplacer dans son studio. Chaque sujet apparaît inexplicablement; le secret qui n’est pas si caché est qu’ils sont constitués de centaines de photos numériques en gros plan assemblées de manière transparente en une masse de points de fuite indétectables. «La perspective est partout», explique Hockney. C’est comme un 2018 Autoroute Pearblossom redux. "Vous pouvez le regarder pendant longtemps."

Pour Hockney, l’état actuel de la photographie numérique n’a guère contribué à retenir autant le regard du spectateur. À sa grande déception, la facilité et l'opportunité de la technologie moderne ont rendu la forme d'art trop rapide et trop plate, le photographe s'est engagé trop loin. «Tout le monde est photographe de nos jours», se lamente-t-il. (Ayant accepté la mort de la photographie chimique il y a longtemps, il assure confortablement que la peinture ne mourra jamais. "Sinon, tout ce que nous aurions, c'est de la photographie, et ce n'est tout simplement pas suffisant.")

Il a souvent dit que travailler en studio lui donnait l’impression d’avoir 30 ans et, sans surprise, il se retrouve tous les jours en studio, entamant la septième décennie de sa carrière toujours pleine d’ambition. «Ce que je veux vraiment faire, c’est changer la photographie», dit-il, ce qui indique que son élan expérimental n’a pas diminué un peu avec l’âge. Son travail est si varié en termes de contenu, de forme et de support qu'il était une fois accusé de «survoler» à travers son évolution stylistique. Cette absence de retenue, cependant, de l'expérimentation, de la couleur ou du contenu, a été la seule au fil des ans.

«J'ai toujours fait ce que je voulais faire et je l'ai simplement cherché», dit-il. «Je continue de chercher, vraiment. Et je suis toujours en train de chercher. "

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