Hva ikke å gå glipp av i Met's New British Galleries, ifølge Robin Standefer

En uke før åpningen av Met's nye britiske fløy, tar AD PRO en spasertur gjennom rommet med galleriets romerske og Williams designere

Stephen Aleschs skisse fra 2015 for design for visning av 100 tekanner i galleriet te, handel og imperium.

Foto: Stephen Alesch

Det tok Stephen Alesch og Robin Standefer av Roman og Williams seks år å lage Metropolitan Museum of Art nye britiske gallerier—Som ble avduket for pressen i går, og vil åpne for publikum mandag 2. mars. Mellom forskningsturer til Europa for å besøke institusjoner som Rijksmuseum til ukentlige onsdagsmøter på Met ble medstifterne av AD100 designfirma gjennomsyret av britisk dekorativ kunsthistorie langs vei. ("Du vil bare suge opp hvert stykke," sier Standefer til AD PRO, og legger til at Met's kurator var "så tålmodig på den måten.")

De gjennomtenkte utformede galleriene som har blitt resultatet av deres innsats, er et vitnesbyrd om rikdommen i Met-samlingen, og Alesch og Standefers egen dyktighet. Og mens både Alesch og Standefser understreker deres tilhørighet til "massing" eller "familier" av gjenstander som er gruppert sammen, kan glansen av enkelte stykker ikke annet enn å skinne spesielt lys. (Ett bemerkelsesverdig eksempel? EN

statsseng fra Hampton Court Castle som er drapert i blå silke damask, hvorav Alesch sier: "Jeg kan ikke ta øynene av det noen ganger.") Nedenfor tar Standefer AD PRO rundt de nye galleriene - et sted hvor hun og Alesch ønsket å "koble ut dyrebarheten" - og forklarer syv av favorittbitene hennes underveis.

Enhver seer vil bli tilgitt for å tenke at dette er en tekanne fra det 20. århundre. Faktisk dateres det tilbake til midten av 1700-tallet. Britisk, Staffordshire. Tekanne, ca. 1760–65. Saltglasert steintøy.

Foto: Richard Lee / med tillatelse fra The Metropolitan Museum of Art

En tilsynelatende moderne tekanne

“Favoritt tekanne... tøff [å si]! Jeg kan fortelle deg at en av favorittene mine er denne [Staffordshire tekanne fra 1760–65]. Jeg tror det trosser periode. Hvis du tok det ut av sammenheng, kan du tro at det er en Keith Haring, [men det er et stykke keramikk fra det 18. århundre - det er ekstraordinært. Jeg elsker hvordan du [med dette stykket] begynner å løse dine forutinntatte forestillinger om design. Å stille spørsmål Jeg er så sikker på når dette kom fra, eller hva denne typen motiv er, og hva denne typen design representerer. Og så tenker du, vel, vent, det er nesten 300 år gammelt. ”

En perfekt plassert stol

“Jeg elsker forholdene til denne britiske lenestolen [1755] med disse franske billedvev laget for det britiske hjemmet [Croome Court]. Det er historien om håndverk og globalt håndverk. Vi åpnet denne [innvendige vindusplassen] for da har du disse siktlinjene og utsikten til disse kombinasjonene. Og denne fargehistorien er veldig mye en del av vår interesse og av vår praksis. "

Massed Together Miniaturer

“Vi presset kuratorene på Met til å gjøre en tett samling, noe som ikke alltid er typisk for et museum på dette nivået. Jeg tror det skaper en veldig interessant visuell spenning - disse veldig dyre og intenst utsmykkede gullbokser og deretter disse beskjedne spennene og [Saint James’s Factory] miniatyrer. Det handler også om smak, ikke sant? Fordi noen av disse objektene kan du vurdere kitsch i vår nåværende sammenheng. Menneskene som samlet dem miniatyrer ble kalt leketøy-menn. De var gjenstander for underholdning, som til og med språket viser. ”

Ett eksempel på en håndfull verk fra Chelsea Porcelain Manufactory som nå er utstilt. Chelsea Porcelain Manufactory (britisk, 1745–1784, rød ankerperiode, ca. 1753–58). Botanisk plate med en blomstrende aubergine, ca. 1755. Soft-paste porselen.

Foto: Richard Lee / med tillatelse fra The Metropolitan Museum of Art

Plater av Chelsea Porcelain Manufactory

“Jeg elsker tilfeldigvis disse platene på et veldig personlig nivå. De er så eksepsjonelle. Dette galleriet har også en veldig viktig hagefortelling for oss - du er i dette veldig fantastiske 1700-tallet [rommet] hvor du kan forestille deg at dette ville være formelen til en formell hage. [Men med disse platene] er det dette øyeblikket med tegning og keramikkproduksjon som kommer sammen. Som du vet fra [vår butikk] The Guild, Jeg er litt besatt av det. Og det er veldig mye en del av denne perioden med dekorativ kunst i Storbritannia. "

Belysning var nøkkelen i spisestuen i Lansdowne for å la det fantastiske taket og veggene bli sett på som de ville ha vært i sin opprinnelige tilstand.

Foto: Joseph Coscia / Hilsen av Metropolitan Museum of Art

Et lite opplyst historisk rom med gipsarbeid å spare

“[The Lansdowne Dining Room] er et av de historiske rommene. Vi var veldig fokuserte på å få ned lysnivåene. Et av våre grunnleggende formål var også å uttrykke gjenstandene slik de opprinnelig ble sett eller brukt, enten det er i et offentlig rom som en butikk eller her, hvor lyset er som det ville vært i England en kveld middag. Stephen og jeg [ønsket] å transportere besøkende. Jeg håper folk kommer hit og er i stand til å si: ‘La meg se på dette ekstraordinære gipset’ - fordi gipsarbeidet er et objekt i seg selv — men også: ‘La meg tenke på hvordan det hadde vært å tilbringe en kveld i dette rom.'"

Christopher Dresser jobbet i steingods og sølv for å lage design som kjørte den stilistiske fargen. Christopher Dresser (britisk, 1834–1904). Produsert av Minton (s) (britisk, Stoke-on-Trent, 1793 – nåtid). Par vaser, 1872–80. Lergods.

Foto: Joseph Coscia / Hilsen av Metropolitan Museum of Art

Et skålstativ med et spesielt moderne utseende ble opprettet i 1881. Christopher Dresser (britisk, 1834–1904). Produsert for firmaet Hukin & Heath (British, Birmingham, 1855–1953). Toast rack, 1881. Sølvfat.

Foto: Courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Verk av Christopher Dresser

“Noen av favorittbitene mine er verk av Christopher Dresser. Stephen og jeg er veldig besatt av ham fordi han også studerte botanikk. Og han skrev mye, noe som har blitt veldig topp for oss. Vi skylder ham alle en stor gjeld fordi han er en slags far til design. Men jeg ser bare på disse stykkene, og jeg tenker hvor moderne, hvor relevant og hvor variert de er. Og at én person designer alle disse, og ser dem ved siden av verk som påvirket ham... alt er så relevant for i dag. "

En av de siste gjenstandene som er sett i galleriene fra 1800-tallet, er dette fantastiske skapet. Designet av Philip Webb (britisk, 1831–1915). Produsert av Morris, Marshall, Faulkner & Co. Backgammonspillerne, 1861. Malet furu, oljemaling på lær, messing og kobber.

Foto: Courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Philip Webbs Morris & Co. – produsert kabinett

“Dette er en av de mest meningsfylte objektene. Og det er fordi det virkelig handler om kunstnerisk samarbeid. Du har Philip Webb til å designe kabinettet, og du har William Morris som en slags veileder-leder som bringer [Sir Edward Burne-Jones] inn for å male det. Det er dette skjæringspunktet mellom anvendt kunst og kunst. Burne-Jones er en ekstremt viktig kunstner. Så å [ha sitt arbeid] på et kabinett løfter dialogen om å leve med ting som er ekstraordinære, noe som Stephen og jeg har stor interesse for. Da vi jobbet med kuratorene og ble utdannet om disse stykkene, blåste det i tankene mine. "

instagram story viewer