Os melhores sets das principais peças e musicais deste ano

Antes do Tony Awards, DE ANÚNCIOS olha para os favoritos do design cênico - dos corajosos escritórios dos tablóides dos anos 60 de Tinta para o caprichoso mundo inspirado em Tim Burton de Suco de besouro

A programação de produções teatrais deste ano inclui uma série de estrelas visuais de destaque, incluindo as inspiradoras King Kong, o clássico reimaginado da Broadway Rodgers & Hammerstein’s Oklahoma !, e uma adaptação de palco de Matar a esperança. E as indicações ao Tony Award de Melhor Design Cênico são tão variadas como sempre. A honra, concedida pela primeira vez a O som da música em 1960, reconhece o trabalho de designers talentosos que não apenas criam cenários memoráveis, mas desempenham um papel vital na narrativa de histórias. Com isto, DE ANÚNCIOS homenageia o talento principal antes da grande noite da Broadway, o 73º Tony Awards anual, no domingo, 9 de junho.

Melhor Desenho Cênico de uma Peça

Matar a esperança
Designer Cênico: Miriam Buether

Foto: Julieta Cervantes

Cerca de 60 anos após sua publicação, o amado romance de Harper Lee

Matar a esperança acertou o Great White Way, desta vez recebendo uma adaptação radical de Aaron Sorkin. A história sobre a luta do bem contra o mal do advogado de defesa criminal do Alabama Atticus Finch ainda está no centro da história atemporal da divisão racial. Os cenários minimalistas da designer cênica Miriam Buether ajudam a contar a história e evocar imagens do filme vencedor do Oscar de 1962 com Gregory Peck.

Embora não haja paredes, apenas janelas e portas, os cenários de Maycomb, Alabama, retratam a pequena cidade do sul por meio de filmes icônicos cenários como a varanda onde Atticus teria conversas diretas com sua filha Scout (que agora é uma adulta no teatro versão). O cenário do tribunal é outra parte essencial da narrativa, retratado como um espaço industrial decrépito com paredes decadentes que são giradas e colocadas na frente dos olhos do público enquanto a banca do júri fica vazio.

Tinta
Designer Cênico: Bunny Christie

Foto: © 2019 Joan Marcus

Veja Londres 1969; adicionar um tablóide problemático conhecido como O sol, seu novo proprietário Rupert Murdoch, um editor desonesto e uma galeria de repórteres oprimidos e você tem os ingredientes para a peça de sucesso Tinta. Inspirada em eventos reais, a peça apresenta conjuntos de época - mesas de metal pesado e armários empilhados uma pirâmide junto com cadeiras giratórias e máquinas de escrever - que são criação do cenógrafo Bunny Christie.

O escocês Olivier e vencedor do Tony Award, que projetou Tinta inteiramente em um cenário com mudanças de mobília, iluminação e projeção, observa: “O cenário é uma montanha de mesas que se parece um pouco com uma máquina. É um mundo de suor e tinta, um mundo escuro, arenoso, noturno e enfumaçado. Os jornalistas são um pouco como ratos no esgoto, correndo pelo set, perseguindo a história ”, afirma. "O conjunto escoa tinta e está cheio de papel de jornal." Fleet Street em Londres, onde Tinta é ambientado, é onde todos os jornais foram feitos - um mundo dominado por homens de bebedeira e contação de histórias tarde da noite e um centro de notícias e fofocas.

Gary: uma sequência de Titus Andronicus
Designer Cênico: Santo Loquasto

Nathan Lane em Gary.

Foto: Julieta Cervantes

Indicado para sete prêmios Tony, incluindo Melhor Peça, Gary é uma farsa satírica ambientada durante a queda do Império Romano, com Nathan Lane e Kristine Nielsen como faxineiros cujo trabalho é transportar os mortos após as guerras civis.

A tarefa de criar este mundo peculiar foi o veterano figurino e cenógrafo Santo Loquasto, que disse: “O o script explicita claramente as demandas: Uma sala de banquetes reconfigurada de forma a armazenar os corpos após um massacre. É romano em detalhes, mas filtrado por uma sensibilidade de filme mudo - mais Cecil B. DeMille do que Fellini, embora na dúvida sempre se recuse a Fellini. ” Os designs de comédia de humor negro incluem centenas de corpos e membros empilhados grotescamente em torno dos atores, ao lado de cortinas de veludo vermelho-sangue agourentas (acho Os dez Mandamentos). “Eu adoraria pensar que, embora o espaço toque em uma espécie de grandeza kitsch, ele também respira o ar pungente de um East Village drag show ”, acrescenta o designer, cujos créditos também incluem o design de produção de uma série de Woody Allen filmes.

Rede
Designers Cênicos: Jan Versweyveld e Tal Yarden

Foto: Jan Versweyveld

O cenógrafo Jan Versweyveld e o designer de vídeo Tal Yarden elevaram o padrão do cenógrafo interativo enquanto eles reimaginou a rede de televisão UBS para o clássico filme vencedor do Oscar de 1976 que se tornou peça da Broadway Rede. É parte espetáculo e parte arte performática; a dupla leva o design tecnológico multidimensional a outro nível, onde o público sente a intensidade palpável de assistir a um noticiário de TV ao vivo.

Os designers criaram uma redação funcional - embora caótica e eletrizante - completa com uma cabine de controle de vidro, que oferece uma visão geral o funcionamento interno do conjunto de notícias, juntamente com uma mesa âncora onde a estrela vencedora do Emmy Bryan Cranston (como Howard Beale) está “louca como o inferno e não vou agüentar mais. ” Há até um restaurante à esquerda do palco, onde os clientes do teatro podem jantar e vivenciar a ação em primeira mão. A peça central do cenário é uma enorme tela de vídeo de parede a parede que bombardeia os sentidos com imagens vintage dos anos 70 de comerciais vendendo tacos, colchões e produtos para o cabelo, com curadoria de Yarden.

Versayveld, cujos créditos incluem a aclamada peça Uma vista da ponte e David Bowie Lázaro, observa, “Eu me considero mais do que apenas um cenógrafo tradicional. A maioria dos designs de cenários são, na verdade, instalações. O set é uma máquina onde os atores e o diretor podem parar, voar para longe e usá-lo em cenas e maneiras muito diferentes ”. Projetando em colaboração com seu parceiro de 30 anos e o diretor da peça, Ivo van Hove, eles tomaram a decisão consciente de renunciar às sóbrias suítes corporativas e relógios de fuso horário do filme, optando por um modelo mais simplificado definir.

O barqueiro
Designer Cênico: Rob Howell

Foto: Joan Marcus

O figurino indicado ao prêmio duas vezes Tony e o cenógrafo Rob Howell criou o visual para O barqueiro, um conto de estilo de tragédia grega do clã Carney durante o período político da Irlanda do Norte conhecido como os Problemas, ambientado em 1981 na cozinha / sala de estar da casa da família Howell comenta: “Eu olhei para uma grande quantidade de material de referência para o período e local, juntamente com todos os detalhes arquitetônicos de que a história precisa.” Os detalhes do personagem de Howell vão desde uma pintura infantil e projeto de artesanato na parede até uma desbotada bandeira nacionalista irlandesa pendurada sobre o Escadaria.

Melhor Desenho Cênico de Musical

Não sou muito orgulhoso: a vida e os tempos das tentações
Designers Cênicos: Robert Brill e Peter Nigrini

Foto: Matthew Murphy

O famoso grupo vocal de R&B, a jornada dos Temptations, das ruas de Detroit até sua introdução no Rock & Roll Hall of Fame, é a base do bio-musical Não sou muito orgulhoso. “Desde seu início nos anos 60, houve 24 membros que entraram e saíram do grupo”, diz o cenógrafo Robert Brills, “por assim dizer aquela história dinâmica, o diretor Des McAnuff tinha um forte sentimento de que o design físico deveria seguir a sugestão de entradas e saídas - literalmente e metaforicamente. O movimento dos atores e como eles são entregues de e para o palco foi nosso ponto de partida principal, então empregamos uma esteira de 21 metros de comprimento que é capaz de mover não apenas o cenário e adereços, mas também nossa fantástica companhia de 16 atores. ” O designer olhou para a arquitetura do teatro para representar o mundo das Tentações, que era composto por “seis majestosos tijolos pretos colunas que definem o espaço de jogo e uma grande marquise teatral que flutua para cima e para baixo ", diz Brills," permitindo que o espaço se expanda e comprima sem esforço por todo o tarde."

O uso de multimídia tornou-se um dos aspectos contadores de histórias mais importantes dos designs e foi criado para o programa pelo designer de projeções Peter Nigrini, cujo papel era “injetar no espaço história, contexto, cor, movimento e especificidade”. Isso se traduziu em momentos como o de Martin Luther King Jr. assassinato retratado com um pano de fundo de imagens como um jornal anunciando sua morte e o Lorraine Motel, enquanto os Temptations assistem e reagem reunidos em torno de um piano. “O uso de imagens para transformar um espaço permite que o teatro coopte as ferramentas do cinema”, diz a designer.

King Kong
Designer Cênico: Peter inglaterra

Foto: Joan Marcus

Para o cenógrafo Peter England, projetando King Kong é totalmente sobre o proverbial gorila de 800 libras na sala - exceto neste caso, o dorso prateado é um Fantoche animatrônico de 2.000 libras trazido à vida por um grupo de trapezistas ágeis por meio de animatrônicos de última geração e tecnologia.

O famoso alpinista do Empire State Building é agora o tema de um musical multimilionário baseado no clássico de 1933. England explica: “No fundo, o conceito é a ascensão e queda dos impérios... e é essencialmente um conto de duas ilhas separadas por uma viagem marítima épica. Uma das ilhas, Nova York, é uma selva de concreto e aço da qual está um império em ascensão. A outra, a Ilha da Caveira, é uma selva de vinhas e teias que consome um império em ruínas ”.

O gorila gigante preenche 90 por cento da área do palco, então o design do cenário tem que se basear na criação da ilusão de Kong "correndo pelo ruas da cidade, saltando através de selvas emaranhadas ou escalando o Empire State Building para lutar no topo do mundo ”através de projeções imagens. O resultado é o uso de um cenário de tela de LED curvado que projeta imagens de vários locais adicionais, como Times Square, um cume imponente e uma caverna na montanha. A Inglaterra não recorreu a efeitos especiais como lasers ou pirotecnia, optando por ir à velha escola com ilusões de ótica na tela de LED.

Hadestown
Designer Cênico: Rachel Hauck

Foto: Matthew Murphy

O musical indicado ao prêmio de 14 Tony Hadestown continua a tendência desta temporada nesta temporada de reimaginar uma ideia clássica, com a interpretação moderna do antigo mito grego de Orfeu e Eurídice. Definindo a cena contra os mundos contrastantes do céu e do inferno, também conhecidos como "Above the Ground" e "Below the Ground", a cenográfica Rachel Hauck utilizou a influência do jazz de Nova Orleans. “Decidimos definir essa história em um bar em NOLA, um desses bares antigos incríveis cheios de música e histórias, coragem e alegria, beleza e escuridão. Por fim, decidimos abraçar essa grande cidade confusa e nos inclinar para sua alegria e escuridão ”, diz ela. O designer procurou o Preservation Hall e a Napoleon House em busca de influência. “Para Below the Ground, as minas, os moinhos e as fábricas estão enraizados em imagens da decadente indústria americana com seus silos enferrujados monolíticos, fábricas labirínticas e minas profundas e escuras.”

Os projetos, enraizados na arquitetura do anfiteatro grego, contavam com acabamentos e cores. “Não há como substituir o grande calor da madeira; é uma das coisas que torna o bar tão acolhedor ”, diz Hauck. “Há muito disso no palco, tudo feito para parecer um piso de bar que viu a cerveja derramada de milhões de almas. As paredes de gesso deterioradas são lindas da mesma forma que as coisas em decomposição podem ser. Com a iluminação notável de Bradley King, as paredes podem conjurar os céus e a beleza do terreno acima. Mas quando a história vai para o subsolo, as paredes são iluminadas por baixo e a textura de gesso apodrecido se torna dominante, e de repente elas se tornam as paredes em deterioração do submundo. A cor é de um mundo, a textura do outro. ”

Rodgers & Hammerstein’s Oklahoma!
Designer Cênico: Laura Jellinek

Foto: Little Fang Photo

Reinterpretando o querido musical de Rodgers e Hammerstein de 76 anos Oklahoma! e adaptá-lo ao século 21 foi o desafio da cenográfica Laura Jellinek. Tendo transformado a produção do Circle no Square Theatre em um cenário "onde o vento sopra pela planície", o designer observa que "o básico A premissa é a ideia de comunidade que informa a produção e o design e faz com que os atores e o público se sintam todos na mesma sala. juntos."

Conhecida pelo show (ela também o projetou no Brooklyn’s St. Ann’s Warehouse), Jellinek criou cenários que evocam a vida em uma comunidade rural de Oklahoma, onde o material de madeira compensada substitui a "névoa dourada brilhante no prado". Ela também usou um mural desbotado de madeira compensada que dá um aceno para cenários de outros Oklahoma! produções e pendurou 100 armas na parede junto com uma franja de Mylar para fornecer um toque de cor. A produção musical conta ainda com confecção de chili ao vivo e danças, tudo parte da narrativa.

Suco de besouro
Designer Cênico: David Korins

Foto: Matthew Murphy

O bordão icônico "Beetlejuice, Beetlejuice, Beetlejuice" sem dúvida evoca imagens do diabólico sobre a estética superior do amado filme de 1988. O designer cênico David Korins olhou para Suco de besouro o criador e diretor Tim Burton pela influência na imaginação do musical da Broadway, especialmente em seus filmes Edward Mãos de Tesoura e A noiva cadáver. O designer, cujos créditos incluem Hamilton e Caro Evan Hansen, criou três interpretações diferentes da casa mal-assombrada que se torna um personagem adicional. "Ir da casa dos Maitlands à casa dos Deetz e ao game show do Beetlejuice representou uma grande mudança visual e escultural", diz Korins. "Os ângulos são o que eu chamaria de perspectiva forçada para fazer com que pareça mais pressionado e elevado. Tim Burton tem aquela forma de porta muito específica que existe em todos os filmes, e eu tentei me inspirar, mas não copiei completamente. ”

Dos efeitos especiais ("uma miscelânea de magia") aos "ovos de Páscoa" espalhados por todo o conjunto - detalhes que homenageiam para Burton, o projeto cênico desempenha um papel importante ao contar a história de um ghoul que habita a casa de um recém-falecido casal. E por último, mas não menos importante, há um verme da areia gigante - o maior já visto na Broadway - que vive nas paredes da casa no mundo dos mortos.

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